2500字电影观后感
2500字电影观后感篇1
一部电影七个故事，这是中国电影前所未有的事情。
七位优秀的导演联袂创作，将七个短片合为一体，将自1949年新中国成立以来70年的大事件娓娓道来。他们将自己对祖国的理解和情感融入电影中，最终为我们呈现了一部笑泪纵横，有温度、有细节，同时具有历史厚度的电影，这本身就是中国电影值得书写一笔的事情。
创作团队提出了“历史瞬间，全民记忆，迎头相遇”的创作思路，由创作者投入超强的专业能力和饱满的创作热情，由小人物看大事件，将普通人的命运融入新中国的历史大背景中，让大国小家的自豪感和烟火气巧妙地融为一体，一点一滴，勾起每一个中华儿女对家国情怀的共同回忆。
细品沧桑里的况味
令我哭起来的单元是《前夜》。
开篇没多久，黄渤扮演的林治远就用南方口音说道，28年革命，2000万人的牺牲换回来的红旗，我们能做的只有四个字——万无一失。
28年革命，2000万人牺牲，仅仅就这2个数字，就忍不住让人热泪盈眶。而我喜欢这个单元，并不是因为它背后的宏大与豪情。
《前夜》作为全剧的开篇，重现了庄严神圣的开国大典筹备工作，本来就是一件极富挑战的事情。但导演摒弃了对宏大事件的叙述，而是选择了一个最最细微的点——修理旗杆顶端的“阻断球”——从而对真实的历史事件加以还原，用最细微的元素告诉观众：小到电动升旗都那么不容易，而新中国的成立，又该是何等开天辟地、创造奇迹的伟大功业。
电影中，细致入微的设计图、精确到克的国旗重量、工程师爱吃的驴打滚、街坊邻居家凑出的红绸、故宫门洞里温暖的傍晚阳光，影片用象的细节刻画，让人们看到一场活着的庆典，一段活着的新中国历史，一群有血有肉、有情有义的革命者、建设者，这些生动的内容不仅能让人们感受到历史的存在，而且能让人们触摸到活着的历史细节，让人们相信历史、被历史感动、为有这样的历史而自豪。
这些细节就是夹杂在历史沧桑记忆中的况味。它不是假大空的豪情与口号，它是琐碎的、具象的、温暖的，是更多地下沉到“人”的身上，把对家国情怀的追忆，把对奉献和坚持的铭记，用普通人能够理解的方式娓娓道来。
回到献礼主题，细细品味，新中国70年的沧桑巨变，背后又何尝不是无数人的坚持和努力，最终汇浪成海。
挖掘平淡中的诗意
让我笑起来的单元是《夺冠》。
故事情节很简单。1984年8月8日，中国女排对战美国队。与此同时，上海的某个弄堂里人声鼎沸，街坊四邻围着小男孩冬冬家的电视机看直播。但是因为电视信号时好时坏，冬冬为了能让邻居们顺利看完比赛，见证历史时刻，错过了与青梅竹马的小美告别的机会，没能亲手把礼物送给小美，而后者即将远赴美国，天各一方。
镜头里再现了大量上海里弄的生活细节，石库门老式房子、小卖部门口兼做电话亭、烫头穿睡衣的中年妇女、胖小孩在家门外吃西瓜。在上海80年代生活过的人肯定对上述画面无比熟悉、无比亲切。影片呈现出轻松愉快的喜剧色彩，同时又充满烟火气，真正做到了把镜头拉到普通人的身边，把话语权交还给老百姓。
但如果仅仅是再现生活场景，那么这个故事就远没那么动人。“电影是生活，但不是庸常”，因而在呈现日常悲喜时，要能在平淡的生活里挖掘到诗意，才能跳脱出当下被桎梏的情境，直至达到一个新的境界。
在这个平淡的故事背后，是关于10岁的小男孩冬冬的成长故事，是关于责任，是关于承担，是关于舍己为人，也是关于时代楷模的感召力。即使10岁的冬冬还无法理解，他这么做是为了什么，街坊邻居对女排比赛的热忱是为了什么，但是在那一瞬间，他披着床单用尽全力支起天线的时候，是他的高光时刻。他的身影，让我想起了想起了少时课本中学过的战斗英雄，想起了《悟空传》里的大圣，甚至想起了超人，这一刻，少年冬冬的形象顿时逃脱了生活的繁琐和平淡，充满了无惧无畏的英雄气概。
徐峥导演所呈现的小人物喜剧的迷人之处，正是在于用心对生活中的人进行观察与捕捉，挖掘生活中不起眼的角落里深藏的美，并为其赋予意义。
(同样精彩的还有《你好北京》。葛优老师将北京的哥”张北京“刻画得惟妙惟肖，几乎一个人撑起了整个故事的嬉笑怒骂、起承转合。该故事同样是从底层小人物身上发掘大情怀、大格局，我有朋友甚至给这个故事排序第一，足见宁浩讲故事的功力不凡。但因为我对上海有情怀，加之篇幅有限，就暂且搁置这个美好的京味故事，留待以后另起一笔。)
遥望大历史的尘烟
令我百感交集的单元是《回归》。
0分0秒升起国旗，一秒都不能差。
电影中为了完成这项任务，使用了三条故事线，分别是斡旋谈判的外交官、负责升级的仪仗兵以及校对手表的钟表师，他们的故事，各自独立又相互联系，最终随着时间线的前进，汇聚到同一个时间点、同一件事，那就是一秒不差地升起五星红旗。导演使用的是她所擅长的多线程讲述故事的手法。
但与同样再现盛典的《前夜》单元相比，《回归》单元似乎又显得有些平淡，它少了点情节上的戏剧性冲突，多了些纪录片不悲不喜、平铺直叙的质感。
品味这样的故事，就得让自己先回到那个时代的情境中，找出那个年代的时代故事和时代气质。
也许回归这件事本身就自带光环，在这个宏大的中西兼容的故事构架下，导演在片中直接使用了部分真实影像，用稍显年代感的画面，直接唤起很多人曾经亲身经历过的回忆。
香港警队的警徽警服，英方官员的西装革履，观影者对于90年代港片、90年代香港的深刻记忆随着剧情发展，再一次被唤醒。当国歌声准时响起，当护旗手肃立敬礼，当维多利亚港上烟花绚烂，当远处东方之珠的旋律渐渐响起，不用怎么煽情，不用怎么渲染，曾经真实存在过的期待、兴奋、骄傲、激动就再一次与每位观众不期而遇，在歌声里泪盈于睫。
97年香港回归，本就是历史时刻、全民记忆。
而如今，悠悠二十二载，任世间岁月轮转，红尘中万家灯火依然。香港依旧，五星红旗依旧，紫荆花旗依旧。
回首望，我与我的祖国永远在一起，会唱国歌的人，祖国会带他回家。
观影结束，已是华灯初上，街头巷尾洋溢着即将迎来国庆长假的和煦气氛，乐观、自信、踏实、轻松。回想电影中呈现的小人物大事件，那些奋斗、牺牲、欢笑、泪水，不禁感慨，今天的中国政通人和、国泰民安，真是来之不易，应该十分珍惜。
看似寻常最奇崛，成如容易却艰辛。
无论从何种意义上来说，生活在今天的中国，做一个堂堂正正的中国人，都是幸运和幸福的。我不由自主地、发自内心与电影中呈现的情感产生共鸣——感谢您，我亲爱的祖国。
2500字电影观后感篇2
《无问西东》是我最近几年来看的最有高度的一部电影。刚从电影院里出来，就有一种立马想再看第二遍的想法，里面的每一段资料都是那么的丝丝入扣，直击心尖。电影结束的时候大家都不愿走，没有想到最终序幕的时候那么精彩，有那么多世界级的人物，真的很感动，很震撼。之后在手机上又认真的看了一遍。
电影一共演绎了4个不一样的年代，分别演绎了几个不一样人的故事，其中的故事背景却是有关联的。那是一种爱的传递，是一种道的能量。电影是从当代张震扮演的张果果的故事为代表开始的，然后一下子一下子的跨到了上世纪20年代。
第一个故事是1923年，讲的是陈楚生所扮演的吴岭澜，是清华大学的理科生，印象比较深的是梅校长对他讲的话让，说：“人把自我置身于忙碌当中，有一种麻木的踏实，但丧失了真实。你的青春，也可是仅有这些日子。”吴岭澜问：“什么是真实?”校长说：“你看到什么?听到什么?做什么和谁在一齐?有一种从心灵深处满溢出来的不懊悔，也不羞耻的平和与喜悦。”吴岭澜不解，直到泰戈尔访华演讲，看到台上的教师笃定而又自信，听到泰戈尔关于真诚的演讲，才释然明白，转去学文。
总结：遇到一个好教师很重要，人的一生需要有贵人指点，需要自我不断的去悟，懂得在日常生活中去体会，进而遵从自我的内心。
第二个故事是1938年，讲的是王力宏扮演的沈光耀，是吴岭澜的学生，家境显赫，文武双全，人长的也帅。当时正逢抗战期间，国难当头，教官的一席话“这个时代缺的不是完美的人，而是从自我心里给出的真心、正义、无畏和同情”。使沈光耀内心想要参加空军，可是受到了他母亲的阻拦，经过与母亲的对话，足以见得沈光耀的家教和良好的家风，绝非一般家世。他母亲说：“我们想你能够享受人生的乐趣，比如同你自我喜欢的女孩子结婚生子，注意不是给我增添子孙，而是你自我，能够享受为人父母的乐趣。”在那个年代母亲能说出这样的话，可见并非一般的胸怀。就在沈光耀已经放弃这个从军想法的时候，战争发生了，日机对我国连续的轰炸，他看到被轰炸过后的一片狼藉，尤其是看到平日里和他一齐玩耍抓蛇的孩子被炸后，孩子的母亲那种痛苦、绝望又无助，只能眼睁睁的看着孩子死在自我怀里时，让他又重新投军，选择了他认为的真心，舍小家，为国家。中间还有一幕异常感人，就是沈光耀哪怕是被长官体罚，也要开着飞机去给那些没有食物的孩子送食物的场面，并且不止一次。最终当他在战争中英勇又壮烈的牺牲后，才发现，原先沈光耀家族其实是“四代六将”，怪不得有如此好的家风。
总结：沈光耀是家世显赫，可是却没有贵公子的毛病，从小就处处比常人优越，但并没有骄傲，而是依然比常人更努力。他自信，从容，善良，待人真心，一身正气，遇事沉着勇敢，一表人才，几乎接近完美，更接近于道。最终为了国家，为了人民，光荣牺牲，从他身上看到了阳光，看到了满满的正能量。
第三个故事是1962年，由黄晓明扮演的陈鹏，由于沈光耀得救，才没有被饿死，之后上了清华大学，一向喜欢章子怡扮演的王敏佳，却一向没有表达心意。他们还有一个好朋友叫李想。当他们三人看到以往很尊敬的班主任许教师，经常被他妻子李淑芬大骂羞辱时，王敏佳和李想就想教训一下李淑芬，于是联合写了一封信。结果被李淑芬发现后告发，李想为了争取去边疆的名额，不敢承认，就由王敏佳一人承担。当发现她和毛主席的合照是假的后，又引发了一系列的欲加之罪，而最讽刺的是批斗王敏佳时，对面就是李想，他此时正在进行支边计划的动员演讲，风光无限。当李想在大会上说出划清界限四个字的时候，王敏佳失望透顶。之后又在李淑芬的挑拨下，王敏佳引起了众怒，空口难辨，被大家一哄而上的殴打至昏死，大家都以为王敏佳已经被打死，大雨来临之前，众人全部散去，留下王敏佳一人自生自灭。当陈鹏明白王敏佳被批斗后就拼命往回赶，当他赶到时，看到满头是血的王敏佳失去了生命体征，以为已经死了，悲痛至极，就准备挖坑把她埋了，之后在大雨中王敏佳醒了过来，二人抱头在雨中痛哭。陈鹏将王敏佳带到了自我成长的家乡安顿，并进行了告白，可是很快又去科研了，再回来时已是多年以后，可是村庄早已面目全非，全是批斗
过的痕迹，家没有了，王敏佳也不在了，他为祖国的核事业作出了巨大的牺牲，到头来却是如此下场。
总结：一个时代的杯具，这是一个让人深感唏嘘的故事。首先许教师不爱他妻子，却在用刀以死相逼的情景下，勉强娶了李淑芬。婚后许教师对李淑芬无比冷淡，甚至内心是憎恨，活的很不开心。李淑芬自认为是爱许教师，实际上那是一种自私的绑架，感觉自我付出了那么多，却换不来许教师一刻的直视，内心不甘心，就互相折磨互相伤害。由于内心过于苦逼又极度敏感，心里早已经丧失了温度，最终把矛头指向了许教师的学生王敏佳，为了解恨，最终挑拨发起了批斗，导致王敏佳被打到昏死，李淑芬自知罪孽深重，活着已了无生趣，便投井自尽。人如果没有一点哲学水平，将是多么的可怕和无知。当陈鹏看到李想拉着王敏佳的手时，能够格局大一点，哪怕抱着送祝福的心态走进一步，也就水落石出了。如果早些把内心的话表白，勇敢一点追求幸福，人生必须会活出另一番景象。许教师太懦弱，空有一身知识，可是都是些死知识，不懂人性，不会与人沟通，只会以冷暴力，以暴制暴，最终杯具了。
第四个故事讲述的是当代，电影是从这个故事开始的，由张震扮演的张果果总体来说是一个比较有良知的人。宁可成为公司领导之间竞争的牺牲品，成替罪羊，也不愿意用出卖来换取一己私利。之后又资助了四胞胎，当四胞胎的家属频繁找自我时，他中间也自我怀疑过，逃避过。之后随父母去扫墓，原先父母是第三个故事中李想用自我的生命所救下的，李想以往有愧与王敏佳，陈鹏对李想说逝者已逝，生者如斯，李想在死前只说了这么一句。可见李想把陈鹏的话听进心里去了，用生命救了两个人。之后是父亲的话让张果果警醒。主动联系了四胞胎妈妈，原先人家只是想将四只胎毛笔送给他。之后他看着四胞胎时出现的那句话印象很深：如果提前了解了你所要应对的人生，你是否还会有勇气前来?
总结：新生，代表着生机，同时也代表着轮回。芸芸众生，各有各的不一样，各有各的命运，然而什么是命运?命，也许是天注定，因为我们无法选择自我的父母，无法选择兄弟姐妹，但一个人的运是来自后天自我的修炼，合起来才是命运。所以，修炼的过程才是人生的真谛。
2500字电影观后感篇3
和所有“技术展示”式电影一样，《深海》的影像充满着夸饰的欲望：炫丽的、高饱和的色彩轰炸、涂满每一处场景的丁达尔效应，以及美术设计上对《千与千寻》和《哈尔的移动城堡》的刻意模仿——但无疑丧失了宫崎骏动画中奇观场面的乱中有序的律动感，取而代之的是在小景别长焦镜头下的逼仄视觉，一个镜头中人物和场景常常彼此叠合在一起，令人颇为目眩。
《深海》中的长焦镜头
剪辑更是将《深海》推入了自相矛盾之中：如果将镜头挤得满满当当是为了让你看到得越多越好，那么毫无章法的剪辑则让你根本什么也看不清——在“丧气鬼”第一次出现并入侵船体的那一幕高潮中，谁能看明白具体发生了什么?事实上，经历了一整部电影之后，我们对“深海大饭店”的内部结构仍然是一无所知的，因为电影在沉迷于技术展示的同时，却完全忽略了最基本的叙事空间的建构。整部电影就像片中男主角南河发明的种种“新奇菜式”一样，看着五彩斑斓，实则油腻不堪，不如一碗清淡的疙瘩汤。
预告片中对大饭店部门分工的介绍，在正片中却无比模糊
将技术的先进程度错当成了作品的优劣标准、甚至创作的首要追求，绝不只是《深海》的个例行为，而是CG动画领域、乃至整个电影艺术领域当下所流行一种倾向：越来越精细的毛发和皮肤纹理以及对于照明、物理规则的精确还原、越来越恢弘的大场面和视觉奇观……例如，皮克斯新作《疯狂元素城》的预告片几乎可以当做一则关于液体、火焰、云雾等等“元素”的建模水平广告。
但技术革新一年比一年更激进的同时，在真正需要重视的影像构思(也即，场面调度)上却呈现出一种精致的保守主义倾向，永远战战兢兢地遵守着最刻板的视觉规则，去发挥最刻板的想象力。
疯狂元素城，2023
《深海》的尾段调动了宏大的平行剪辑结构，以解构前半部电影为代价终于唤起了一些真实的情感，是糟糕的整体中相对好看的一段。但比之《雄狮少年》短短一段天台的独舞的情感力量，仍是九牛一毛——这就是杰出的场面调度和拙劣的技术堆砌之间的区别。
从这一角度而言，《雄狮少年》大概是一个昙花一现的奇迹，而《深海》才是(和《大鱼海棠》并列的)中国动画史的里程碑级别的作品——前者是可遇不可求的作者电影，无关行业整体水平;后者则代表着我们已经具备了制造《爱，死亡与机器人》这类“精美的垃圾”的技术能力。
雄狮少年，2021
《深海》最令人费解之处是它始终坚持着对“电影影像”的模仿，也即，对实拍电影的影像中可能会出现的种种现象的模仿：镜头晃动、浅景深、移焦、镜头眩光、镜头畸变、过曝或过暗的取光……
这些由CG技术模拟出的“仿电影”效果贯穿着《深海》的全片，并且在很多时候，它们的确造成了与真正的实拍影像之间真假莫辨的效果：电影结尾，一个POV镜头晃动着在桌前坐下，一页一页翻着《深海大饭店的传说》画册，看起来和实拍完全一样(也许它就是实拍，我不确定)。
《深海》中充斥全片的浅景深镜头
但是，更多时候，这些“仿电影”效果只是和宫崎骏式的世界观和怪诞夸张的&39;美术风格互相干扰，让电影的视觉风格在意义不明的拟真与恐怖谷式的怪异之间反复摇摆。
即便《深海》真的是一部试图追求真实感的动画(事实上它当然不可能是)，那么这些“仿电影”的效果也和“真实”毫无关系。这些被模仿的效果最初都来自于摄影技术的瑕疵，如“镜头晃动”是缺乏稳定装置，“浅景深”是成像的清晰范围过小，“眩光”是镜头内部透镜的反射，“逆光镜头”则是曝光动态范围不足——它们中没有一个是人眼的真实视觉中存在的现象，每一个都独属于电影摄影的视觉特性，是电影媒介特有的表现手段。
《深海》中夸张的光效
那么，一部动画费尽力气去模仿这些特性，难道仅仅只为伪装成一部实拍电影吗?如果一部动画以实拍电影的方式去构思影像，最终看起来也和实拍电影无异，那么它又何必是一部动画呢?
当然，这并不是说要强调媒介绝对的纯洁性、反对任何媒介之间互相模仿的尝试;相反，在CG大片的时代，实拍和动画之间的界限早已变得十分模糊(你完全可以将《阿凡达：水之道》视作一部“动画电影”)。只要是为了创造美，也即，为了拍出更好的作品，没有哪种表现手段是不能挪用的——事实上，电影自己的美学不也正是从对其它艺术的挪用中慢慢建立起来的吗?
并且，恰恰是在很多看似毫无必要的挪用和模仿中，存在着创造性的可能：在亲眼见证《花与爱丽丝杀人事件》中人物动作近乎梦幻的缥缈碎裂之感前，我们或许也会质疑，“为什么要多此一举地使用转描，而不直接实拍呢?”
花与爱丽丝杀人事件，2015
但反过来，正因为表现手段仅仅是手段，所以将对它们的模仿视为最终目的，完全是一种本末倒置。作为手段的“仿电影”是为做出自己的东西而取其精华式的学习和借鉴，而作为目的的“仿电影”则只是为了做出一个“像电影的东西”。
在皮克斯工作室的早期作品中，人物和场景的建模缺乏细节、质感也十分粗陋，也根本没有对镜头景深或真实照明的模拟技术，外观和电影毫不相似;但这并不妨碍皮克斯的动画比任何同时代的好莱坞电影都要更加继承了其黄金时代的遗产：我们难道不是在《怪兽电力公司》中看到了霍克斯式的乐天派，看到了人物关系的深刻洞察与神经喜剧之间的平衡?而《雄狮少年》中精湛的音乐性，也正来自周星驰。
怪兽电力公司，2001
归根结底，电影的这些或那些特性，从来不是什么值得追求的东西(难道实拍电影比动画更高级?);真正值得效仿的，是好电影组织这些特性的方式——场面调度。
相较之下，《深海》的“仿电影”纯粹是为仿而仿，它丝毫不考虑如何用场面调度组织起这些表现手段，更不会考虑实拍与动画间可以碰撞出什么新的可能性、又有哪些应该小心规避的负面影响;它所做的，仅仅是将这些所有“仿电影”特性堆砌在表层的视觉中，作为一种似是而非的“电影感仿妆”。
但问题是，如果一部真正的实拍电影也像《深海》有着如此混乱的场面调度，那么它一定是部无可救药的烂电影;唯一可以让人稍微原谅之处，也许是“幸好这是一部动画”——矛盾就在于，一部动画浪费如此多的篇幅把自己束缚在对实拍电影的仿妆中，而为数不多的精彩时刻，却又恰恰是擦去了这些仿妆的那几分钟。